La Sociedad de Autores, Compositores y Editores de Francia pone en línea su archivo histórico

Desde el mes de junio pasado, existe una interesantísima web en la que podemos ver digitalizados documentos de la Société des Auteurs, Compositeurs et Editeurs de Musique francés (el equivalente a la SGAE española). En el Musée SACEM podemos navegar por parte de los treinta kilómetros de documentos que posee esta entidad de gestión, una selección de documentos de todo tipo y otros materiales escogidos para ilustrar anécdotas o historias relacionadas con piezas especiales de algunos de sus 164 840 socios.

Los documentos incluyen solicitudes y exámenes de ingreso -que, hasta la década de 1990, quienes querían ser socios debían realizar obligatoriamente (como, por ejemplo, el que realizó Georges Brassens)-, partituras, correspondencia (como este telegrama de Verdi), recortes de prensa, fotografías, papeletas de calificaciones, programas, revistas, catálogos de obras (como la lista de composiciones y arreglos de Pauline Viardot), contratos, documentos legales… que se pueden localizar mediante una búsqueda alfabética, por décadas, por tipo de documento o por género musical.

Se trata de documentos administrativos generados para documentar las obras de sus socios y para la gestión propia de la SACEM, pero también podemos ver objetos diversos como un molde de la mano derecha de Chopin, suponiendo este “museo documental virtual” una forma de conocer la historia de la entidad.

Además, la web del Museo SACEM ofrece varias exposiciones virtuales con una especial selección de documentos por su importancia para la historia de la música, como la dedicada a las mujeres y la creación musical en el inicio del sigo XX (con documentos de Nadia y Lili Boulanger), o la titulada “Mujeres y creación musical desde la Edad Media hasta el nacimiento de la SACEM”, así como la dedicada al soporte sonoro con el título “Del vinilo a Internet: mil y una formas de escuchar música“, entre otras muestras. Como añadido, existe una sección con anédcotas y narraciones sobre los porpios archivos y sus contenidos, podcast con entrevistas a creadores, desaparecidos y actuales, y documentales sobre compositores del siglo XX.

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Primer Congreso Internacional de Cine e Identidades: programa definitivo

Ya está listo el programa definitivo del I Congreso Internacional de Cine e Identidades, que se celebrará los próximos 31 de Mayo y 1 de Junio de 2018 en la Universidad de Oviedo. Durante dos días se darán cita expertos de España y Buenos Aires para dialogar en torno a la cultura audiovisual, música y films, imaginarios musicales, personajes, espacios sonoros. documental y música e identidades, en boca de expertos de universidades españolas como Juan Carlos Galiano, Fernando David Maldonado, Alberto Jiménez,  David Fernández, Julio Arce, Susana Palés,  Arima León, Carmen Guiralt,Isabelle Marc, Alberto Caparrós…) y argentinas (Ana Sabrina Mora, Agostina Invernizzi, Ezequiel Lozano,Luciano Arévalo, Mora Carrizo,Marisa Iris Alonso,  Rosana Aguerregaray, Natalia Daldi…)

Además, se celebrará una mesa especial de ensayos audiovisuales, el viernes 1 de 11 a 12:30, organizada por Cecilia Nuria Gil Mariño (CONICET/UdeSA) y Danusa Depes Portas (CAPES/FAPERJ-PUC-Rio), con los siguientes temas:

  • Ensayos visuales y contravisualidad. Las (dis)tenciones críticas de la cultura visual – Danusa Depes Porta (CAPES/FAPERJ-PUC-Rio)
  • La construcción de la naturaleza en la frontera patagónica argentina: los films experimentales de Narcisa Hirsch – Maia Vargas (CONICET-IIDyPCA, UNLP)
  • Proyecto Delirar el archivo -concepto y coordinación- Miguel Alfonso Bouhaben (Universidad de las Artes del Ecuador)

Con el subtítulo Industrias Culturales, Flujos Musicales y Discursos Trasnacionales, este congreso busca promover el estudio y la investigación de las identidades culturales articuladas en el cine, en el que la música desarrolla un papel destacado. Asimismo, pretende establecer un marco interdisciplinar en el que se tiende un puente entre la musicología, los film studies, los estudios culturales, la sociología y la comunicación audiovisual. Para ello, contará con la conferenciante principal Kathryn Kalinak

Aunque el plazo de inscripciones está cerrado, aún es posible inscribirse escribiendo a congresocici2018@gmail.com solicitándolo. Puedes consultar el programa competo en la web del I Congreso Internacional de Cine e Identidades,

“Música dispersa”, de Rubén López-Cano: “Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital”

López-Cano, Rubén (2018). Música dispersa. Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital. Barcelona, Musikeon Books.

Estoy bastante segura de que debe haber pocos estudiantes o profesionales de la Musicología española y latinoamericana que no conozcan a Rubén López-Cano o que no se hayan acercado a su trabajo consciente o inconscientemente, directa o indirectamente.  López-Cano es profesor de la Escuela Superior de Música de Catalunya, y fue director de la RevistaTranscultural de Música, además de ser, probablemente, uno de los pocos musicólogos vivos que tiene página en Wikipedia  (dato que ofrezco para aquellos que consideran este por encima de cualquier otro Factor de Impacto). Además de esto, cabe destacar que ha promovido en acceso libre y democrático a la investigación científica con varias publicaciones gratuitas en acceso abierto a través de sus redes sociales, su pagina web personal, la SIBE-Sociedad de Etnomusicología, revista Cuadernos de ETNOmusicología y otras muchas publicaciones propias y ajenas.

Pues bien, entre las cualidades o capacidades de Rubén López-Cano se encuentra la de ser capaz de desarrollar una estrategia de márketing editorial totalmente efectiva con la técnica del meme: no hay más que seguirle en las redes sociales para ver cómo ha despertado la curiosidad de sus contactos y seguidores con persuasivos y ocurrentes cebos publicitarios de su última publicación en Musikeon Books Musica dispersa: Apropiación, influencias, robos y remix en la era de la escucha digital (busca bajo el hagstag #musica_dispersa y toma ideas de cómo promocionar tu próximo libro sin necesidad de grandes compañías de promoción editorial 😉 )-.

Y como en lo que se refiere a ciertos libros soy muy influenciable, una de las primeras reservas de la librería El Argonauta antes de que estuviera fisicamente fue la mía -así me lo aseguraron allí-. Deseaba conocer el contenido de Música dispersa por tratarse de un atrayente tema, el de la recepción y reflexiones en torno al registro sonoro musical, sabiendo de antemano que iba a se un texto sólidamente fundamentado tanto conceptual como filosóficamente: no en vano el principal campo de interés de Rubén Lopez Cano abarca la parte más filosófica de la música, la semiología musical y la etnomusicología contemporánea, entre otros temas.

Todo el texto tiene un enfoque muy interesante y novedoso, y en él se va hilando entre diferentes conceptos relacionados con la idea de “obra” y de “versión” musicales a lo largo de las seis secciones en las que está dividido. La lectura me ha llevado a la reflexión de importantes conceptos relacionados con la conceptualización de ciertos aspectos de la información musical a los que desde el mundo de la Información y Documentación nos enfrentamos los profesionales de este sector.

En mi caso diré que, además de que la lectura de este libro ha sido un interesante y completo aprendizaje desde principio al fin, he reflexionado especialmente con el capítulo 2, “Ser, parecer, aparecer, acceder y conocer la música”, en el que desgrana diferentes corrientes dentro de la Filosofía centradas en definir el concepto de “obra” desde la ontología filosófica: qué es y qué no es una obra, si necesita o no materializarse en un soporte, donde empieza y termina la creación -en este caso- musical, cuál es el papel que tiene – si lo tiene- una interpretación en la construcción de la obra de un compositor… Entre lo expuesto en esta sección en concreto, he realizado el ejercicio mental de buscar nexos comunes y diferentes entre las corrientes filosóficas y lo que el en mundo de las bibliotecas se conoce como las FRBR.

Los Requisitos Funcionales para los Registros Bibliográficos (FRBR por sus siglas en inglés) es un modelo conceptual comenzado a desarrollar a principios de los 90 que ha servido de base a otras normas y estándares de descripción de información en el contexto de archivos y bibliotecas, entre ellos las AACR2 (que a su vez han derivado en las que se están adoptando en la actualidad en bibliotecas de todo el mundo, las RDA, cambiando la idea de bibliographic por el de resources, más acordes con la realidad actual en el sentido de cómo se disponemos de la información). Este modelo conceptual, basado en la teoría de sistemas y en el modelo entidad relación, busca “establecer un marco que proporcione una comprensión clara, definida con precisión y compartida por todos sobre la información que un registro bibliográfico debe proporcionar y sobre lo que se espera que se logre de un registro bibliográfico como respuesta a las necesidades de los usuarios”, como se recoge en el propio modelo FRBR.

Para ello, las FRBR definen las entidades que un registro bibliográfico debe ofrecer y las organizan en tres grupos: el primero, los productos de creación, el segundo, las personas u organizaciones que participan en ellos, y el tercero, las materias de las que tratan esos productos. El grupo 1, el que buscaba las correlaciones de esta segunda sección del libro, tiene cuatro entidades principales: obra (work), expresión, manifestación e ítem. (Todos los conceptos a continuación son extractos tomados del modelo antes enlazado)

  • Obra: una creación intelectual o artística diferenciada.  Una obra es  una  entidad  abstracta;  no  hay  un  objeto  material único que pueda denominarse la obra. Reconocemos la obra a tra­vés de realizaciones individuales o expresiones de la obra; pero la obra  en  sí  solo  existe  en  la  comunidad  de  contenido  entre  las  dis­tintas expresiones de la obra. […]
  • Una expresión es la forma específica intelectual o artística que recibe una obra cada vez que se “realiza”. En la medida en que la forma de expresión es una característica inherente a la expresión, cualquier cambio de esa forma (p. ej., de notación alfanumérica a texto hablado) da como resultado una nueva expresión. Asimismo, los cambios en las convenciones intelectuales o los instrumentos que se emplean para expresar una obra (p. ej., la traducción de una lengua a otra) dan como resultado la producción de una nueva expresión. Estrictamente ha­blando, cualquier cambio en el contenido intelectual o artístico constituye un cambio de expresión. […]
  • Manifestación es la materialización física de la expresión de una obra. […] Como entidad, la manifestación representa todos los objetos físicos que presentan las mismas características, tanto en lo que se refiere al contenido intelectual como a la forma física. […] Esta plasmación física constituye una manifestación de la obra. En algunos casos, puede tratarse únicamente de un solo ejemplar físico producido como manifestación de la obra […] En otros casos hay múltiples ejemplares producidos con el objeto de facilitar la difusión y distribución pública. el conjunto de ejemplares producidos en cada uno de los casos constituye una manifesta­ción. Todos los ejemplares que se hayan producido forman parte del mismo conjunto y se consideran ejemplares de la misma manifestación. Cuando el proceso de producción [que no el de creación] incluye cambios de la forma física el producto resultante se considera una nueva manifestación. Siempre que el proceso de producción suponga odificaciones, adiciones, supresiones, etc., que afecten al contenido intelectual o artístico, el resultado es una nueva manifestación que incorpora una nueva expresión de la obra.
  • Ítem es un ejemplar determinado de una manifestación. La entidad definida como ítem es una entidad concreta. Se trata, en muchos casos, de un único objeto físico (p. ej., un ejemplar de una monografía en un solo volumen, una cinta de audio, etc.). Sin embargo, hay casos en los que la entidad definida como ítem incluye más de un objeto físico una grabación publicada en tres discos compactos independientes, etc.). En términos de contenido intelectual y forma física, un ítem que ejemplifica una manifestación normalmente es el mismo que la propia manifestación. Sin embargo, puede haber variaciones de un ítem a otro, incluso si el ítem ejemplifica la misma manifestación-

En la descripción bibliográfica, la definición de obra como entidad en el modelo se utiliza para varios propósitos: entre otros, nos permite dar un nombre y definir relaciones con la creación abstracta artística o intelectual que acompaña a todas las expresiones individuales de esa obra. La obra como entidad también nos permite definir relaciones indirectas entre expresiones de la misma obra en los casos en que no es posible establecer relaciones directas entre expresiones individuales. Las FRBR también tratan de subsanar problemas de la descripción bibliográfica a niveles que las ISBD no llegan, como por ejemplo las del grupo 2 para personas, entidades corporativas y las familias, y que son útiles para saber si una versión de un tema musical está interpretado por un grupo concreto, grabado por una discográfica determinada, etc, lo que dará lugar mejores descripciones bibliográficas que finalmente ayudan al usuario a localizar la información exacta que precisa.

Por otro lado, las FRBR, junto a las ontologías -esta vez- informáticas FOAF, Event, Time y TimeLine, estructuran The MusicOntology (http://musicontology.com/), un proyecto para crear un vocabulario destinado a enlazar datos relacionados con la música, y, en palabras de sus autores, facilitar un mecanismo democrático para hacerlo. Cualquiera puede publicar datos en Music Ontology y enlazarlos con los existentes, con el fin de crear una music related web of data.

Pero volviendo al libro, Rubén nos explica conceptos y ejemplos del reciclaje musical (dentro tanto de la música tanto clásica como popular), qué entendemos por “autentico” o por “original”, cuál es la frontera entre robar, tomar prestado e inspirarse, cómo valoramos o apreciamos las versiones de las músicas que tenemos como referencias, si las obras “originales” con las que comparamos versiones o covers lo son del mismo modo y para todo el mundo por igual. También habla de citas, plagios, referencias, alusiones… que han existido siempre, el hecho es cómo valoramos actualmente estas reutilizaciones, debido, entre otras cosas, a que tenemos acceso a las grabaciones y los medios digitales con las que nos acercamos a la obra original y a sus diferentes “versiones” de forma repetida. Esto nos hace tener conciencia de los parecidos musicales, de cuáles son las relaciones de las obras con sus versiones, copias, homenajes, críticas, parodias… Sabremos también qué es una “obra de referencia”, y si esta igual para todo el mundo, por ejemplo.

Aunque el libro no entra en cuestiones legales ni de Derechos de Autor, reflexiona acerca de algunos aspectos de la propiedad intelectual. En un contexto en el que en la práctica jurídica se distingue entre “plagio objetivo” (cuando utilizamos elementos concretos y demostrables de una obra para crear otra) y “plagio subjetivo” (cuando estos esta utilización no existe pero el supuesto plagio recuerda o nos evoca el estilo o la sonoridad del tema supuestamente plagiado, por ejemplo), el autor explica que en la historia de la música no hay música si alguien no repite estilos, realiza apropiaciones, usa referencias musicales, copia, imita… etc, pero que realmente el problema surge cuando la música se cosifica, cuando hay un beneficio monetario en juego y se exige pagar por utilizarla o reutilizarla, ya que el plagio es una cuestión legal que deja de serlo si se paga o no el derecho a usar un fragmento musical o una obra completa.

Son muy interesantes también las reflexiones acerca del grabación musical como medio y como técnica que ofrece el autor, pareciéndome fantástica la idea de “autenticidad inventada”, que hace referencia a, por ejemplo, el uso de vibrato, que se utilizaba ocasionalmente como recurso expresivo pero que se comenzó a usar contundente y masivamente por las cuestiones técnicas de la toma del sonido, quedando el vibrato asentado en los intérpretes de forma incuestionable y que gener una relación muy peculiar con el instrumentista (palabra de flautista travesera y de pico).

Pero nada mejor que escuchar al propio autor hablar de él, así que os propongo escuchar una entrevista realizada en Catalunya Musicaa (a partir del minuto 20:50) o asistir la presentación oficial que será el día 18 de mayo en Valencia, con retransmisión en streaming para los que no podáis asistir.

Congreso Internacional “Humanidades en Transición” (Barcelona, 23-28 octubre)

¿Cuál es el rumbo que deben tomar las Humanidades en vista a los cambios y retos sociales actuales? ¿Cuál debe ser su papel dentro del momento extremadamente crítico del antropoceno en el que ahora nos encontramos? ¿Hasta qué punto el futuro de las Humanidades requiere una reformulación, replanteamiento o incluso superación del mismo pensamiento humanista del que han surgido?

Estas preguntas son el punto de partida para la propuesta que nos hace la Institución Milá y Fontanals (IMF) para los próximos 23 al 26 de octubre de 2018 con su Congreso Internacional “Humanidades en Transición”, y que se ha organizado además en el marco de las conmemoraciones del 50 aniversario de su fundación como centro de investigación en Humanidades del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) en Cataluña.

La IMF-CSIC fue creada en el año 1968 con el objetivo de agrupar en un Instituto los distintos Centros del CSIC en Barcelona dedicados a la investigación en Humanidades. Desde aquel momento contribuye a la generación de conocimiento histórico, cultural y social desde cinco grandes áreas de investigación humanística y social: Antropología, Arqueología, Estudios Medievales, Musicología e Historia de la Ciencia.

Las fechas importantes para este Congreso Internacional “Humanidades en Transición” son:

  • Call for papers: Hasta el 15/05/2018, 23:59 (UTC/GTM +1)
  • Notificación de aceptación de propuestas: 31/05/2018
  • Fecha límite de inscripción: 01/10/2018, 23:59 (UTC/GTM +1)

Descubre toda la información en la web: https://humanitiesconference.imf.csic.es/

Kathryn Kalinak, conferenciante principal del Primer Congreso Cine e Identidades

Kathryn Kalinak

Kathryn Kalinak

A punto de conocer el programa definitivo del Primer Congreso Cine e Identidades (Oviedo, 31 de mayo y 1 de junio, 2018), desde el momento de su anuncio está confirmada la presencia de Kathryn Kalinak como conferenciante principal, gracias al trabajo conjunto de la Universidad de Oviedo y la Universidad de Buenos Aires en la organización de este Congreso. Kalinak, catedrática de English y Film Studies en Rhode Island College, ha publicado numerosos artículos y monografías sobre música de cine.  En la actualidad es una de las editoras de la serie Ashgate Screen Music. Su trabajo incluye un estudio sobre el papel de la música popular en la invención de películas animadas y en la creación del Dickson Experimental Sound Film en 1895; un estudio sobre reciclaje musical en la época de estudio del Hollywood clásico; y una biografía crítica del compositor y director danés Richard Hageman, que ganó un Oscar por Stagecoach y compuso la banda sonora de muchas películas en Hollywood. Kalinak ha sido conferenciante en conferencias de música de cine en Surrey, Reino Unido, Nijmegen, Países Bajos, Vilnius, Lituania, y Leeuwarden, Países Bajos.  Pronunció el Distinguished Lecture in Music en la Universidad de Tennessee en 2015.  En 2011 se le asignó la cátedra Mary Tucker Thorp Professor de Rhode Island College.

Algunas de sus publicaciones más destacadas:

Behind the Silver Screen: Sound. (2015)

Sound introduce conceptos clave, momentos seminales y figuras fundamentales en el desarrollo del sonido cinematográfico. Cada uno de los seis capítulos del libro cubre una era diferente en la historia de Hollywood, desde el cine mudo hasta la era digital.

 

 

Music and the Western: Notes From the Frontier (2012)

Este libro presenta ensayos de académicos y musicólogos centrados en las composiciones de la música para películas western: su historia, sus convenciones genéricas y su importancia ideológica. Los ensayos cubren el género del western desde su generación y desarrollo en Hollywood a su impacto internacional desde Europa hasta Asia.

 

Film Music: A Very Short Introduction (2010)

Pensado como una descripción general de la historia, la teoría y la práctica de la música de cine, Film Music: A Very Short Introduction ofrece una perspectiva global de la música de cine en Asia, África, América del Sur y Medio Oriente, así como en los EE. UU. y Europa occidental. Cómo se cantó el oeste: la música y el western de John Ford.

 

 

Settling the Score: Music and the Classical Hollywood Film (1992).

A partir de los primeros experimentos de acompañamiento musical llevados a cabo en los Laboratorios Edison, Kathryn Kalinak utiliza material de archivo para crear una storyline de la música y el cine estadounidenses. Centrándose en las partituras de varios compositores clave de los inicios de las bandas sonoras para el cine, concluye que las convenciones clásicas de orquestación fueron diseñadas para garantizar el dominio de la exposición narrativa. Sus análisis de trabajos contemporáneos de compositores como John Williams o Basil Poledouris demuestran cómo las tradiciones de la época clásica siguen influyendo en las prácticas de orquestación en la actualidad.

Tim Carter, Valeria De Lucca y Juan José Carreras, ponentes de la próxima Conferencia Internacional Accross Labels (24-26 abril)

Los días 24 al 26 de abril de 2018 se celebrará, en el Teatro Real de Madrid, la Conferencia Internacional “Géneros de música teatral: más allá de las etiquetas” , como resultado de dos proyectos de investigación coordinados por el ICCMU: MadMusicEspacios, géneros y públicos de la música en Madrid, ss. XVII-XXMuTeMúsica teatral en España: géneros, continuidades e interacciones (1680-1914). Las inscripciones al Congreso Across Labels siguen abiertas con descuentos a estudiantes y la posibilidad de obtener un crédito para los que pertenezcan a la Universidad Complutense de Madrid.

El programa definitivo, que contará con la presencia de los ponentes invitados Tim Carter (Universidad de Carolina del Norte); Valeria De Lucca, (Universidad de Southampton) y Juan José Carreras (Universidad de Zaragoza), se desarrollará en torno a las siguientes sesiones y participantes:

  • Martes 24
    • Conferencia inaugural de Tim Carter (University of North Carolina) con el título “In search of “American opera”: Lessons from the Broadway stage”
    • Sesión 1: “Géneros difusos”, con María Nagore (UCM),  Mascha van Nieuwkerk (University of Amsterdam), Rosana de Moraes Marreco y Aline Gallasch-Hall de Beuvink (Universidad de Lisboa), Zoila Martínez Beltrán (Universidad Complutense) y Enrique Encabo (Universidad de Murcia)
    • Sesión 2: “La difícil encrucijada de los términos”, con Tobías Brandenberger (Universidad de Gotinga), Sonja Jüschke (Goethe-Universität Frankfurt), Andrea García Torres (Universidad de Oviedo), Miguel Ángel Ríos Muñoz (Universidad Complutense), Nuria Blanco (Universidad de Oviedo) y Andrea Bombi (Universidad de Valencia)
  • Miércoles 25
    • Conferenciante invitado Juan José Carreras (Universidad de Zaragoza): “Ópera nacional / ópera española: el caso español en su contexto
      europeo a mediados del siglo xix”
    • Sesión 3: “Ópereta y musical: intersecciones”, con Álvaro Torrente (UCM), Javier Albo (Georgia State University), John Graziano (City University of New York), Gonzalo Fernández Monte, Paul Laird (Kansas University)
    • Sesión 4: “Géneros en movimiento”, con Víctor Sánchez (UCM), Enrique Mejías (Archivo SGAE/UCM), John Koegel (California State University, Fullerton), Virginia de Almeida Bessa (Universidade Sao Paulo) y  Antonio Soriano Santacruz (UCM)
  • Jueves 26
    • Conferenciante invitada Valeria de Lucca (University of Southampton): “What’s in a label? Operetta in Italy”
    • Sesión 4: “¿Zarzuela u ópera cómica?”, con Pilar Espín (UNED), Isabelle Porto (Université de Tours), Ramón Sobrino y Encina Cortizo (Universidad de Oviedo), Judith Ortega (ICCMU-UCM), Cristina Roldán Fidalgo (Universidad Autónoma de Madrid),
    • Sesión 5: “Las fronteras de la ópera”, con Francesco Izzo (University of Southampton), Livio Marcaletti (Universidad de Viena), Michael Burden (University of Oxford), Anna Stetsenko (Universidade Sao Paulo) y Katherine Hambridge (Durham University).

El Congreso está dirigido por Álvaro Torrente (Instituto Complutense de Ciencias Musicales); Víctor Sánchez (Universidad Complutense de Madrid) y M. Pilar Espín (Universidad Nacional de Educación a Distancia).

Mas informaciónCongreso Internacional “Géneros de música teatral: más allá de las etiquetas”

5ª Conferencia Internacional sobre Bibliotecas Digitales para la Musicología (Paris, 2018)

Digital Libraries for MusicologyEn 2018, DLfM (Digital Libraries for Musicology)  celebra, como evento satélite de ISMIR 2018, su 5ª Conferencia Internacional sobre Bibliotecas Digitales para la Musicología, que se ofrece como un espacio encuentro para aquellos que trabajan en, y con, bibliotecas digitales del campo de música y la musicología. Será el 28de septiembre y los temas de debate serán la aplicación y uso en Musicología de los sistemas de bibliotecas digitales musicales, las tecnologías para la mejora del acceso y organización de la música en Bibliotecas Digitales, la bibliografía y los metadatos para música, la relación con el Linked Data musical, así como los desafíos de trabajar con múltiples representaciones de música a través de colecciones digitales a gran escala como Internet Archive y HathiTrust, con énfasis en el uso de métodos y tecnologías MIR (Music Information retrieval) aplicados a la investigación musicológica en sistemas de bibliotecas digitales musicales

Los objetivos de la conferencia son:

  • Actuar como un foro para informar, presentar y evaluar este trabajo y diseminar nuevos enfoques para avanzar en la disciplina;
  • Crear un lugar para evaluar críticamente y de forma constructiva y verificar el funcionamiento de las Bibliotecas Digitales de Música y las aplicaciones y hallazgos que surgen de ellas;
  • Considerar la idoneidad de las bibliotecas digitales de música existentes, particularmente a la luz de los métodos y aplicaciones transformadores que surgen de la Musicología,como  grandes colecciones de datos relacionados con audio y música, método de “big data” y MIR;
  • Explorar cómo las bibliotecas digitales y la Musicología digital se pueden combinar para ofrecer un acceso en línea más rico a colecciones de música en línea;
  • Establecer la agenda de trabajo para abordar estos nuevos desafíos y oportunidades.

Está abierto el envío de comunicaciones hasta el 15 de junio de 2018, y los organizadores están interesados en los siguientes temas, que no únicos:

  • Construir y administrar colecciones de música digital
    • Optical Music Recognition
    • Alfabetización informacional para bibliotecas digitales de música
    • Evaluación de calidad de datos
  • Acceso, interfaces y ergonomía
    • Interfaces y mecanismos de acceso para bibliotecas digitales de música
    • Identificación / ubicación de la música (en todas sus formas) en bibliotecas digitales genéricas
    • Técnicas para localizar y acceder a la música en grandes bibliotecas digitales (por ejemplo, HathiTrust, Internet Archive) y creación de corpus musicales a gran escala
    • Mecanismos para combinar contenido de música multi-forma dentro y entre bibliotecas digitales y otros recursos digitales
    • Comportamiento y necesidades de información de los usuarios de bibliotecas digitales de música
  • Conocimiento Musicológico
    • Representaciones de datos musicales, incluidos manuscritos / partituras y audio
    • Técnicas MIR aplicadas en bibliotecas digitales de música e investigaciones musicológicas que le utilizan
    • Extracción de conceptos musicales a partir de notación simbólica y datos de audio
    • Metadatos y esquemas de metadatos para música
    • Aplicación de técnicas de Linked Data y Web Semántica en bibliotecas digitales de música para su acceso y organización
    • Ontologías y categorización de músicas y de artefactos musicales
  • Mejorando datos para Musicología
    • Bibliotecas digitales que enriquecen en línea el acceso público a música, cultura musical y ephemera sobre música
    • Bibliotecas digitales que apoyan la Musicología y otros estudios académicos
    • Bibliotecas digitales para la combinación de recursos en apoyo de la musicología (por ejemplo, combinación de audio, partituras, bibliografías, recursos geográficos, etnomusicologicos, interpretación, etc.)

Más información: Digital Libraries for Musicology

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